Hushpuppy, 6 ans, vit dans le bayou avec son père. Brusquement, la nature s'emballe, la température monte, les glaciers fondent, libérant une armée d'aurochs. Avec la montée des eaux, l'irruption des aurochs et la santé de son père qui décline, Hushpuppy décide de partir à la recherche de sa mère disparue.

La voici la hype cinématographique en cette fin d'année 2012. Cannes, Sundance, Deauville, "Les Bêtes du Sud sauvage" a tout raflé sur son passage et a inondé la planète d'une réputation des plus flatteuses. A la vision, enfin, du métrage, rien de plus normal que de comprendre cet engouement. "Les Bêtes du Sud sauvage" est un immense film. Pourtant, la bande-annonce faisait un peu peur avec cette voix-off d'une petite fille qui déclame une série de tirades pseudo-philosophiques sur la Vie, la Mort, le Monde qui envoie le métrage dans une plongée en ligne droite vers un mélange entre Terrence Malick par sa volonté à exprimer infiniment grand et infiniment petit et le cinéma indépendant américain via un sujet fort, une caméra frontale, un petit budget, des acteurs inconnus. Bien entendu, on aurait tort de se laisser griser par une telle première impression qui tient surtout de la mauvaise foi cinématographique. Cette voix-off, définitivement le parti pris le plus casse-gueule tant il est sur-utilisé dans le cinéma américain contemporain, sert avant tout à poser l'un des principes d'écriture du film. Ce dernier ne sera vu que par les yeux, le cerveau et le cœur de cette petite fille qui amènera ses proches dans une même direction. Le point de vue sera tenu jusqu'au bout, preuve éclatante d'une réelle volonté de cinéma. Loin de surligner les images en constatant les actions pour mâcher le travail du spectateur, cette voix tend avant tout à décrypter les émotions de l'héroïne. Cette attitude permet d'enrichir un scénario somme toute plutôt minimaliste dans son point de départ. En effet, il narre la simple relation entre la fillette et son père dans une communauté. La chose est classique mais les épreuves vont s'avérer quand même rudes à surmonter et c'est ce qui donne la force à ce script. L'homme a une relation assez ambigüe avec son enfant et leurs relations semblent assez conflictuelles. On ne sait pas s'il le traite en garçon – ce qu'il aurait voulu qu'il soit ? - ou en fille – sa véritable identité -, il le martyrise psychologiquement et ils ne vivent même pas ensemble dans le même lieu. Néanmoins, ces problématiques cherchent avant tout à rester dans un quotidien. L'aventure ne se passe qu'à petite échelle et c'est le gigantisme qui va venir à cette population et non l'inverse. Les personnages ne vont jamais tenter d'aller au-delà de leurs possibilités, de se prendre pour ce qu'ils ne sont pas ou de défier un destin aux soubresauts incroyables cachés. Ils veulent simplement être "normaux". Pour preuve, la caméra du cinéaste n'ira jamais très loin de ses protagonistes et restera à hauteur d'homme. Le plan serré lui permet d'entrer non seulement dans la profondeur des personnages mais également de poser quelques beaux moments de poésie.

Le cinéaste ne s'embarrasse de pas beaucoup d'artifices. Une excellente direction d'acteurs – ils sont tous formidables – et un jeu sur le point – certains plans ne fonctionnent qu'au flou artistique - feront très bien l'affaire. La simplicité est parfois le plus bel instrument pour s'exprimer. Grâce à ce refus d'alambiquer un récit, de prendre des directions qui auraient été pourtant possibles, le cinéaste procure une émotion sincère et bienveillante. Les larmes arrivent dès le début du film, introduction vertigineuse à ce petit monde, pour ne se sécher qu'à la fin du dernier plan final d'une beauté et d'un sens à couper le souffle. Il est bien aidé en cela par une utilisation optimale de la musique qu'il a lui-même co-composé. Epousant parfaitement les sentiments des personnages comme du spectateur, la bande originale se révèle être, au delà de sa compétence cinématographique, d'une beauté mélancolique absolue. Si le film est associé à Terrence Malick, c'est qu'il y a une raison. Celle-ci est simple. "Les Bêtes du Sud sauvage" convoque à chaque instant la nature environnante. Pourtant, elle n'est pas sublimée comme chez le maître américain et la comparaison se doit d'être rapidement évacuée. Ici, on ne la voit presque jamais, la faute en revenant à la prise de position de la caméra mais également à un statut. Elle est déjà présente pour les habitants de cette petite île perdue au milieu du bayou de Louisiane. Ceux-ci ne la (re)découvrent en aucun moment, elle est un constat. Pourtant, c'est elle qui va changer la vie de cette communauté. On pourrait alors reparler de Malick mais on pourrait également aborder tout un pan du cinéma américain qui aborde sans cesse cette problématique. Il faut le redire, la convocation du géant texan ne doit pas être à l'ordre du jour. Comme à son habitude générale, la nature va être un instrument de construction identitaire, à la fois individuel et collectif. La jeune fille va d'abord se transformer en une personne plus mature. Elle est obligée de grandir plus vite que la musique pour survivre. Et même si elle n'a qu'une petite dizaine d'années, le sens des responsabilités va lui éclater à la figure pour ne plus s'en aller. Bienvenue dans le monde adulte où les fantasmes ne sont plus et où la réalité peut être dure à encaisser. Heureusement pour elle, se voiler la face ne fait pas (plus) partie de son vocabulaire et sa situation ne pourra aller qu'en s'améliorant. Le monde peut dormir tranquille, la relève est assurée. D'autre part, c'est la nature qui prouve l'identité profonde à l'intégralité de la communauté. La tornade qui dévaste tout sur son passage, dont on pourrait croire qu'il s'agit de la tempête Katrina - pourquoi pas après tout ? -, est un prisme de combat pour la défense de sa vitalité collective. La position est paradoxale mais intéressante dans le sens où elle ne provoque pas de laisser-aller dramatique. Ce n'est surtout pas un instrument destiné à faire pleurer dans les chaumières en arguant sur la tristesse de la condition de ces pauvres gens. Ces derniers ne veulent surtout pas entrer dans le moule d'une société préfabriquée.

Cette attitude salvatrice vaut bien tout l'or du monde. Certes, ils ne vivent pas toujours confortablement, comme le prouvent leurs baraquements et leurs intérieurs mis en valeur par l'hallucinante production artistique et les décors plus vrais que nature, mais au moins ont-ils le mérite de ne jamais cesser d'être eux-mêmes et de ne pas trahir leurs propres cheminements. La séquence du dispensaire est à ce titre éloquente, entre rire et blessure, et un plan symptomatique fait figure de maître-étalon. Inutile de le décrire, c'est davantage son statut filmique qui importe. Est-ce une flash forward ? Une vision mentale ? Une réalité de l'instant ? Le cinéaste joue avec les ambiguïtés de la représentation cinématographique pour nous faire ressentir la douleur d'une acculturation et surtout son manque total de logique humaine. Le métrage se pose comme un objet ouvertement rebelle sur l'état d'une société qui tire trop sur une approche globalisante au détriment d'une échelle moindre, sans doute moins gouvernable pour les puissants, mais qui fait toute la richesse d'une civilisation. En convoquant la civilisation, "Les Bêtes du Sud sauvage" s'affiche comme furieusement américain et le réalisateur ne décroche pas des principes fondateurs de la nation états-unienne. Plus que le panthéisme déjà évoqué et qui, finalement s'affiche comme plutôt iconoclaste dans son traitement, c'est la géographie qui fait sens dans le métrage. S'il devient inondé par la puissance des précipitations de la tempête, le territoire ne refuse pas moins d'exister. La preuve en est non seulement donnée par les habitants qui ne cessent jamais de le convoquer par la parole mais une carte existe bel et bien. La première approche renvoie à une donnée mentale, peut-être la plus importante pour cette population. L'île existe parce qu'ils y croient, tout simplement.

La deuxième tentative prouve que l'espace est scientifiquement valable et qu'il est acté comme tel. Si ce principe est peut-être moins valable dans l'américanité quand on connait la puissance du fantasme dans cette civilisation, il n'en est pas moins un indice tout à fait valable de sa présence. Ce qui empêche le territoire de vivre, c'est une digue construite par les aménageurs qui n'ont pas compris l'importance de l'espace. Cette barrière artificielle fait clairement obstruction à la vitalité. Elle ne sert que l'économique, un gigantesque complexe industriel est d'ailleurs tout proche, au détriment de l'humain. A cause d'elle, les hommes et les femmes ne peuvent plus se déplacer correctement dans leur lieu de vie, ce qui a pour conséquence terrible de les amener à la mort. On le sait, le mouvement est une donnée importante dans la culture américaine. Or, ici, se déplacer ne peut être effectué que par des bateaux parfois d'une construction douteuse. Et même si les difficultés sont nombreuses , il en faut plus pour que les protagonistes soient découragés. Le film les montre de nombreuses fois en train de prendre, coûte que coûte, possession de leur espace. Pire, la digue ne permet pas de se projeter dans le futur en empêchant le regard d'aller au plus loin de ses capacités. L'imagination ne marche plus, le rêve ne devient plus à l'ordre du jour. L'horizon est obstruée, la Frontière cadenassée, la liberté bafouée. En ce sens, elle peut être comparée à la ligne de barbelé dans le western. C'est à ce moment précis que le cinéaste s'empare du plan d'ensemble pour mieux faire comprendre à chacun l'enferment et le caractère mortifère qu'elle suggère. Elle n'a aucune raison d'être là et les actes forts des protagonistes en son encontre est une déclaration puissante et manifeste d'une volonté de retour à l'espace initial.

"Les Bêtes du Sud sauvage", c'est aussi cela : une représentation de crise de l'Homo Americanus en proie aux malheurs de l'espace qu'il va devoir surmonter pour pouvoir se construire et vivre pleinement. Le film se pose finalement comme un pur manifeste pour une liberté américaine qui a du mal à être comprise en tant de ces temps modernes. Ce métrage est une merveille qui combine plaisamment réflexion et émotion. Il se pose définitivement comme l'un des meilleurs films de l'année 2012 et l'on ne peut que souhaiter le meilleur à un réalisateur, dont c'est la première livraison, qui a frappé un grand coup par son talent éblouissant.

Note : 8/10.

Lorsque Oscar Diggs, un petit magicien de cirque sans envergure à la moralité douteuse, est emporté à bord de sa montgolfière depuis le Kansas poussiéreux jusqu’à l’extravagant Pays d’Oz, il y voit la chance de sa vie. Tout semble tellement possible dans cet endroit stupéfiant composé de paysages luxuriants, de peuples étonnants et de créatures singulières ! Même la fortune et la gloire ! Celles-ci semblent d’autant plus simples à acquérir qu’il peut facilement se faire passer pour le grand magicien dont tout le monde espère la venue. Seules trois sorcières, Theodora, Evanora et Glinda semblent réellement douter de ses compétences... Grâce à ses talents d’illusionniste, à son ingéniosité et à une touche de sorcellerie, Oscar va très vite se retrouver impliqué malgré lui dans les problèmes qu’affrontent Oz et ses habitants. Qui sait désormais si un destin hors du commun ne l’attend pas au bout de la route ?

Drôle d’idée que de choisir Sam Raimi, réalisateur de films d’horreur comme la série "Evil Dead", de "Jusqu’en Enfer" ou encore de la trilogie "Spider-Man", pour réaliser le nouveau film de Disney : "Le monde fantastique d’Oz". Mais on peut dire que le monsieur s’en sort avec les honneurs en nous en mettant pleins les yeux tout en glissant quelques scènes nous rappelant certains films d’horreurs. Je l’avoue, j’ai sursauté une ou deux fois.

Le film débute sur un très beau générique en noir et blanc, usant magnifiquement bien de la 3D. S’en suit des séquences en noirs et blancs du grand et puissant Oz alias Oscar Diggs faisant des tours d’illusions à la population qui le croit magicien. Malheureusement, ses pouvoirs sont limités, et il se voit contraint de fuir dans une montgolfière après avoir du décliner la demande d’une jeune fille lui demandant de la refaire marcher. Cette fuite en montgolfière ne va pas se révéler de tout repos puisqu’il se retrouve dans un cyclone. Séquence incroyable de par l’utilisation de la 3D qui nous plonge totalement au cœur du cyclone ainsi qu’une autre séquence qui nous laisse le souffle coupé. C’est alors que l’on revient en couleur pour nous plonger dans un monde fantastique, le monde d’Oz. C’est là que l’aventure commence. Oscar Diggs fait la rencontre de Théodora la sorcière (Mila Kunis) qui lui fait part de la prophétie selon laquelle un Magicien du nom d’Oz viendrait les sauver de la méchante sorcière. Ça met tout de suite dans l’ambiance ! Oui mais voilà, notre bon vieux Oscar n’est pas vraiment un magicien, il est plutôt un "escroc" comme il le dit lui même alors comment tout ça va se terminer ? Je vais vous laisser le découvrir par vous–même sinon je vous spoilerai et ce n’est pas très gentil de ma part !

Dès les premières images, on est plongé dans un univers incroyable, que ce soit la partie en noir et blanc rappelant les vieux films ou le monde fantastiques d’Oz, on est éblouit et la 3D renforce ce sentiment. De plus, le fait que ce soit Sam Raimi qui soit au commande donne de l’épaisseur à l’histoire, d’autant plus que certains élans de "films d’horreurs" font leur apparition durant le film plutôt agréable enlevant le côté "conte de fée" de Disney. Certains passages rappellent un peu "Alice au pays des merveilles". Enfin, qui dit Monde Fantastique d’Oz, on pense directement au Magicien d’Oz. Cependant, à part quelques petits clins d’œil (le lion, les épouvantails, la route de briques jaunes...) on ne pas dire que le film suivent exactement le conte mais ce n’est pas plus mal !

Il ne fait pas bon de se balader dans certains coins d’Oz On y découvre un James Franco parfait pour le rôle de "l’imposteur" et qui est à l’opposé du "prince" Disney. En effet, il est plutôt du genre à séduire chaque jolies femmes qui croisent son chemin et n’éprouve aucun remords à leurs raconter la même histoire pour ensuite les abandonner. On est donc loin du prince charmant ! Ainsi qu’une Michelle Williams éblouissante dans le rôle de Glinda. En revanche, des performances plutôt mitigées pour Mila Kunis et Rachel Weisz (Evanora) qui, parfois, en font un peu trop à mon goût. Enfin, ENORME coup de cœur pour Finley, le petit singe dont la voix est faite par Zach Braff qui forme un parfait duo avec Oscar Diggs. Comme quoi, James Franco sait y fait avec les singes ! On craque totalement pour ce singe prêt à tout pour aider son nouvel ami et amenant les séquences comiques nécessaires.

En somme, Le Monde Fantastique d’Oz est un film à aller voir malgré quelques scènes un peu trop « Disney » (la peau verte de la sorcière, too much…) mais très vite rattrapé par une très bonne mise en scène, des personnages attachants et de très bon acteurs, sans oublier une très belle 3D. On est ravi des quelques petits clins d’œil aux films d’horreurs qu’a semé ici et là Sam Raimi rendant le film vivant et « effrayant » par moment. On passe un bon moment pendant 2h et ça c’est que du bonheur !

Note : 8/10.

Kate et Charlie, un couple de jeunes mariés, partagent une passion pour la musique, la fête… et surtout l’alcool. Kate réalise un jour que son style de vie met en péril son emploi d’enseignante et décide de rejoindre les Alcooliques Anonymes. Avec l’aide de son amie et mentor Jenny et du maladroit mais bien-intentionné M. Davies, principal-adjoint de son école, Kate reprend progressivement le contrôle de son existence. En devenant sobre, elle doit cependant faire face aux mensonges à son employeur et à sa relation tumultueuse avec sa mère, et remettre en question les fondements de son couple...

Comment pourrait-on résumer en quelques lignes l'histoire sincère et émouvante de "Smashed" ? Et bien, nous suivons tout d'abord le quotidien tumultueux de Kate et Charlie, un couple américain, plus ou moins ordinaire, qui a la fâcheuse habitude de consommer, sans modération, une grande quantité d'alcool en tout genre. Par la suite, Kate, fatiguée par les conséquences d'une telle vie, décide d'arrêter tout simplement de boire et parvient à trouver de l'aide dans un groupe des Alcooliques Anonymes. Mais, cela ne sera pas si facile... 

Co-écrit et réalisé par James Ponsoldt, "Smashed" est un très beau film sur l'emprise de l'alcool et sa volonté d'en sortir mais pas seulement c'est aussi un formidable hymne à l'amour, l'amitié et la famille. Sans excès ni violence gratuite, l'histoire se concentre uniquement sur l'essentiel (autrement dit ses personnages) et nous raconte en toute simplicité et avec une certaine conviction la vie mouvementé d'un couple qui va finalement devoir se remettre en question sur ses priorités et ses certitudes. Emouvant, bouleversant, traité de manière réaliste sans en faire trop, le scénario promet quelques séquences à la fois drôles et touchantes remplies de bons sentiments. La réalisation de James Ponsoldt est bien pensée et souvent judicieuse comme l'utilisation de la caméra à l'épaule pour partager plus facilement l'intimité des personnages. Le spectacteur a ainsi l'impression de se retrouver avec eux. N'oublions pas aussi la prestation sublime des acteurs dont la pétillante Mary Elizabeth Winstead ("Destination finale 3"...) ou encore Aaron Paul ("La dernière maison sur la gauche"...), Octavia Spencer ("La couleur des sentiments") naturellement éblouissante et Nick Offerman ("Sin City"...).

Porté par une brochette d'acteurs talentueux, "Smashed" est un long métrage bouleversant et authentique qui mérite qu'on s'y intéresse.

Note : 7,5/10.

Grégory Lioubov, un officier des services secrets russes est envoyé à Monaco afin de surveiller les agissements d’un puissant homme d’affaires. Dans le cadre de cette mission, son équipe recrute Alice, une surdouée de la finance. Soupçonnant sa trahison, Grégory va rompre la règle d’or et entrer en contact avec Alice, son agent infiltré. Naît entre eux une passion impossible qui va inexorablement précipiter leur chute.

Après 6 ans d’absence, au cinéma Eric Rochant revient avec "Möbius", un film d’espionnage impliquant les russes et les américains. Le réalisateur semble avoir un certain goût pour le monde de la mafia puisqu’il réalisa la saison 2 et 3 de la série "Mafiosa". Mais revenons au vif du sujet : "Möbius". Alors que veut dire "Möbius" ? Et bien le film tire son nom du "ruban de Möbius" qui est un anneau qui n’a qu’une seule face et qu’un seul bord. Cependant, il faudra attendre le dénouement du film pour avoir une explication et en comprendre la signification.

Revenons à l’histoire. On suit donc Grégory Lioubov, alias Moïse, qui est envoyé à Monaco pour surveiller les agissements de Ivan Rostovsky, puissant homme d’affaire Russe. Pour se faire, son équipe va engager Alice, accessoirement trader qui à fait couler Lehman brother et qui le vit bien ! Ce qui lui vaudra d’être interdit de séjour aux Etats-Unis (c’est la moindre des choses). Son nom de code sera "Crapule" tandis que celui de Rostovky sera "Diamant" (c’est tout de suite plus facile à prononcer).

Quand on va voir un film d’espionnage, on se dit qu’il va y avoir de l’action, des courses poursuite, du suspens... Mais je n’ai rien vu de tout cela dans "Möbius"... En effet, l'intrigue repose avant tout sur une histoire d'amour avec, pour fond, des enjeux politico-économiques parfaitement mis en valeur par la vision un brin complexe, mais non dénuée d'intérêt, du réalisateur. Il y a également quelques petites incohérences qui font que l’on a du mal à croire à cette mission. Tout d’abord, le micro que l’on pose sur le sein gauche d’Alice qui porte une chemise bien ouverte et transparente. Ne me dite pas que l’homme d’affaire russe ne remarquera pas ce micro, surtout placé à cet endroit (si vous voyez ce que je veux dire...). Ensuite, l’équipe de Loubiov qui préfère découvrir l’identité de l’amant d’Alice plutôt que de se concentrer sur les agissements de Rostovsky. On aime tous les potins mais là, c’est pas très professionnel ! En parlant d’amant, parlons en de l’histoire d’amour entre Lioubov, alias Moïse et Alice ! Alors une histoire d’amour qui commence dans un bar qui s’appelle "Destiny" et qui se continue dans un autre bar appelé "L’Apocalypse" en compagnie d’un homme qui se fait appelé Moïse, je suis peut-être parano mais si j’étais Alice, je trouverai ça un peu bizarre. On a envie de croire à cette belle histoire d’amour entre cet officier des services secret russe et cette française enrôler, un peu malgré elle, pour coincer le méchant russe mais il manque un petit quelque chose qui fait qu’on reste sur notre faim. C’est bien dommage parce que tous les ingrédients étaient là.

Mais rassurez-vous, il y a tout de même des points positifs. Tout d’abord le dénouement de l’histoire est intéressant et promet, sans hésitation, à ses spectateurs quelques rebondissements. On s’y attend un peu mais pas totalement, il y a donc un petit effet de surprise pas désagréable du tout. Ensuite, Tim Roth y est, comme à son habitude, extraordinaire dans le rôle du menaçant et puissant homme d’affaire russe et Jean Dujardin y est aussi très bon. La mise en scène d'Eric Rochant est aussi remarquable et son expérience dans le film d'espionnage ("Les Patriotes" en 1993) lui permet d'avoir aussi une certaine aisance dans l'écriture du scénario pour tout ce qui concerne sa crédibilité.

Avis donc très mitigé concernant "Möbius". L’histoire était prometteuse mais n’a malheureusement pas donné les fruits escomptés. L’action met du temps à se mettre en place mais le dénouement, la réalisation, la mise en forme et le jeu des acteurs sauvent le film.

Note : 6,5/10.

La vie d'une jeune fille bascule le jour où un groupe de yakuzas massacre son jeune frère et la torture en lui coupant le bras gauche. Décidée à se venger, elle se construit alors une mitraillette en guise de prothèse.

"Machine Girl" est incontestablement le film qui a remis au goût du jour les productions japonaises fantastico-gore à petits budgets à destination du "Direct-To-DVD" et qui a lancé véritablement le label "Sushi Typhoon" et ses très nombreux titres du même gabarit comme "Tokyo Gore Police", "Helldriver" ou encore "Robogeisha". Le réalisateur Noboru Iguchi tire habilement les ficelles de son scénario, certes très maigre sous la forme d'une simple vengeance, mais terriblement efficace pour ce qui est de nous offrir quelque chose de vraiment pas ordinaire. Et le mot est encore assez faible quand on voit l'absurdité et le délire de certaines scènes, qui, au final, s'avèrent tout simplement cultes comme les sushis humains, le soutien gorge perceuse ou le bras tempura. Les amateurs du genre trouveront aussi leurs comptes en matière d'hémoglobine et de séquences, je dois dire, bien répugnantes car "Machine Girl" pousse la barre très haut dans ce domaine et n'hésite pas à nous en mettre plein les yeux : ça gicle de partout jusqu'à l'écran de la caméra, les membres sont coupés, arrachés, explosés... Bref, quand le ridicule ne tue pas, il rend plus fort... Cela me rappelle un peu (ou beaucoup...) les films "Grind House" avec "Planète Terreur" de Robert Rodriguez et "Boulevard de la mort" de Quentin Tarantino.

Au niveau des acteurs, ils sont pour la plupart convaincants surtout quand on sait que certains d'entre eux, comme l'héroïne interprétée par Minase Yashiro, n'ont aucune expérience dans le cinéma. Enfin, une dernière chose est à préciser c'est que, malgré un petit budget, les effets spéciaux, visuels et les maquillages sont assez réussis et même si parfois on voit réellement le trucage, le charme opère toujours... C'est un peu la même chose que les effets spéciaux façon "carton pâte" des films de science-fiction des années 70-80...

Pour résumer, un divertissement horrifique déjantée des plus joussifs qui fait la part belle aux scènes gores bien saignantes et aux classiques du genre.

Note : 7/10.

À 8 ans, le petit John Bennett fit le voeu que son ours en peluche de Noël s’anime et devienne son meilleur ami pour la vie, et il vit son voeu exaucé. Presque 30 ans plus tard, l’histoire n’a plus vraiment les allures d’un conte de Noël. L’omniprésence de Ted aux côtés de John pèse lourdement sur sa relation amoureuse avec Lori. Bien que patiente, Lori voit en cette amitié exclusive, consistant principalement à boire des bières et fumer de l’herbe devant des programmes télé plus ringards les uns que les autres, un handicap pour John qui le confine à l’enfance, l’empêche de réussir professionnellement et de réellement s’investir dans leur couple. Déchiré entre son amour pour Lori et sa loyauté envers Ted, John lutte pour devenir enfin un homme, un vrai !

On n’attendait peut-être pas Seth MacFarlane dans le domaine du film de cinéma en prise de vue réelle, lui qui a surtout travaillé dans l’animation télévisuelle. Le créateur des "Griffin" et d’"American Dad !" arrive pourtant sur les écrans avec ce "Ted", l’histoire d’une amitié entre un trentenaire un peu paumé et un ours en peluche qui a réussi l’exploit de prendre vie après que son propriétaire, alors jeune, eu fait le vœu d’une telle incarnation lors d’un Noël. A partir de ce postulat ludique et loufoque aux frontières du merveilleux, le souhait relevant quand même du conte de fées, le réalisateur va tenter de nous convaincre que la réalité peut être à ce point bouleversée. Force est de reconnaître qu’il y arrive plutôt bien. Son ours en peluche est une merveille d’animation et le scénario le pose d’emblée comme une entité à part entière, connue de tous et parfaitement intégrée. Le spectateur peut ainsi facilement croire dur comme fer à l’histoire racontée. Surtout, la posture imaginative est une matrice pour que le métrage puisse plonger dans les méandres du réel. En effet, plus que l’histoire d’une peluche dans le monde, "Ted" raconte surtout le parcours de John pris sous les traits d’un Mark Wahlberg à l’aise dans l’exercice comique et décidément compétent quand il est bien dirigé. Englué dans une situation d’ "adulescent", il n’a, à 35 ans, pas encore pris le sens des responsabilités. Sa copine lui en veut d’ailleurs, elle qui veut de lui qu’il passe au stade supérieur de son évolution individuelle. Mais les choses ne sont pas faciles. Il faut dire que sa condition ne fait pas rêver. Certes, sa compagne est plutôt mimi – normal, c’est Mila Kunis même si son personnage reste sous exploité – mais son travail n’est pas tellement excitant. Il préfère normalement faire la fête, tout du moins prendre l’existence sous un angle assez cool, boire des bières et rester scotché devant un écran de télévision. Cette attitude peut-être juvénile apparaît alors normale et compréhensive car elle se cache derrière une peur de grandir dans un monde pas vraiment accueillant et dont on préfère s’exclure via de multiples paradis artificiels bien plus jouissifs. Cependant, après de multiples périples pouvant être vus comme une série de rites initiatiques, Ted va faire comprendre à son meilleur pote qu’il est temps de passer à la vie adulte. La démarche est typique dans ce genre de films mais l’une des forces du métrage est de ne pas prendre ce propos sous un angle consensuel qui ferait plaisir à tous les garants de la bonne conduite de la société occidentale. Seth MacFarlane ne veut pas que ses protagonistes se renient et abandonnent leurs identités propres sur l’autel d’une conscience moralisatrice. Le petit discours final habituel censé apprendre la vie, plus aux spectateurs qu’aux personnages d’ailleurs, ne se trompe pas en étant à la fois discret, lucide et surtout iconoclaste par rapport à ce qu’Hollywood nous sert habituellement. On peut arriver à jongler entre les deux statuts qui ne sont pas incompatibles malgré ce que certains racontent, le film le dit clairement. Demander à sa fiancée en mariage n’est pas incompatible avec continuer à faire des conneries, rester en couple ne veut pas dire se couper de ses amis d’enfance. Derrière ces deux exemples pris parmi d’autres, le cinéaste nous dit que l’équilibre trouvé entre cette sorte de grand écart comportemental n’en sera que plus intéressant pour chacun et plus vivable pour tous.

Ce qui est vivable surtout, c’est bien l’humour du film. Ce dernier a été vendu comme un exemple virevoltant de nouvelle comédie américaine. Et il faut bien le dire, Ted paye généralement une tournée de bonne tranche de rigolade tant les vannes fusent de bon cœur. Malgré tout, peut-être sont-elles trop limitées dans l’écriture dans le sens où certaines donnent l’impression d’avoir été écrites simplement pour elles-mêmes et non dans une logique scénaristique linéaire. Néanmoins, il ne faut pas non plus trop faire la fine bouche tant Ted respire la sincérité et la générosité. Seth MacFarlane veut tout donner, quitte à parfois trop en faire donc, dans un simple et unique but : celui de détendre son public. Son pari est réussi et une question vient, à la fin, titiller le spectateur : depuis quand n’avons-nous pas éclater de rire de bon cœur dans une salle de cinéma ? Les exemples se comptent sur le doigt de la main. Les Judd Apatoweries, le duo Simon Pegg / Nick Frost, la bande à Ben Stiller, Riad Sattouf et Michel Hazanavicius, voici les tops actuels du rire et Seth MacFarlane peut sans problème s’inscrire dans le haut du panier de la comédie. Il faut surtout dire que le réalisateur est un connaisseur car son comique peut plaire à un large éventail. D’un côté, elles prennent un côté politiquement incorrect salvateur. Quand ce n’est pas certaines personnes qui en prennent pour son grade, ce sont quelques comportements irrévérencieux qui provoquent l’adhésion non conformiste. De l’autre, l‘humour tente l’identité générationnelle. A ce titre, le genre s’accorde parfaitement avec le discours. Le métrage se pare d’une belle tendresse à la vue du regard que porte le cinéaste sur ses protagonistes voire d’une émotion certaine quand elle convoque la nostalgie. C’est l’une de ses grandes forces. C’est également l’une de ses faiblesses. En effet, les spectateurs ne naviguant pas autour de la tranche d’âge du héros pourront se sentir peut-être désarçonnés par le déluge de private jokes culturelles précises. A trop vouloir appuyer sur une population, Ted peut perdre de sa capacité à rassembler.

A ce niveau, le métrage se trouve dans un entre-deux retrouvable également dans la mise en scène. Si certains épisodes sont assez bien construits avec des effets de montage bien sentis - on peut penser notamment au trajet de John vers la fête dans l’appartement de Ted - il faut bien avouer que Seth MacFarlane est plus à l’aise dans le maniement de la plume que dans celui de la caméra. En effet, globalement, le reste du film navigue vers un certain manque d’originalité. Bien sûr, le spectateur pourra trouver des milliers de films beaucoup plus faibles formellement mais on aurait aimé que Ted pousse ses ambitions plus loin. La réalisation est correcte, il ne faut quand même pas vilipender le réalisateur car on ne tombe pas dans la platitude complète, mais elle correspond davantage à un exercice de techniciens compétents qu’à la patte de Seth MacFarlane. Un manque d’identité se fait cruellement sentir, chose d’autant plus bizarre que cette personnalité irrigue sans cesse l’écriture. Le côté rebelle initié dans le scénario est finalement quasi-absent dans la forme, ce qui a pour conséquence de donner un manque d’équilibre au film. C’est dommage. Néanmoins, le réalisateur qui a surtout l’expérience de la télévision est sur de bonnes voies pour élargir ses projets du petit au grand écran.

Malgré des faiblesses que l’on peut mettre sur le compte de l’excès de bonne volonté et sur un manque d’expérience dans le savoir-faire purement cinématographique, Ted se révèle être l’une des meilleures comédies vues sur un écran depuis bien longtemps. Ce n’est peut-être pas suffisant pour entrer dans la liste des meilleurs films de l’année mais c’est déjà bien assez !

Note : 7/10.

Un groupe d’adolescents est invité à visiter un curieux musée de cire qui expose de célèbres personnages de la littérature d’horreur. Au fur et à mesure ils vont se rendre compte que les sculptures de cire sont plus que de simples statues...

Pour son premier long métrage, l'acteur, réalisateur et scénariste Anthony Hickox nous propose un authentique film d'horreur qui réunit les plus grandes figures du cinéma d'horreur. Porté par le jeune Zach Galligan ("Gremlins"), "Waxwork" est une agréable surprise. Mise en scène d'une manière dynamique et joviale, le film dispose d'un scénario original et réserve son lot de scènes gores qui abonde tout le long du film. Disposant d'une bande son récréative et de bon effets spéciaux pour l'année, le film tient sa promesse de divertissement et maintient le rythme dans l'action s'accordant même de temps en temps un petit brin d'humour. A noter la participation du réalisateur dans le rôle du prince et de son frère James D. R. Hickox dans le rôle de l'assistant du chasseur de loup-garou. Les acteurs John Rhys Davies (La trilogie du "Seigneur des Anneaux") et Patrick Macnee (la série "Chapeau melon et bottes de cuir") font également partie du casting. En 1992, Anthony Hickox réalisera une suite avec Zach Galligan dans le rôle titre. 

Note : 7/10.

Terre Sainte, 12ème siècle… Au cours de la Quatrième Croisade, le chevalier Killian met la main sur un trésor convoité par tous : le Saint Graal, le fameux calice du Christ. Epaulé par sa troupe de fidèles et par Sigrid, une princesse Viking, il se voit alors chargé de le ramener en sûreté jusqu’au Royaume d’Espagne. Mais leur voyage s’avère des plus périlleux : une mystérieuse malédiction semble suivre leur trace, dévastant les villages et terrorisant les populations. Qui sont donc les ennemis de l’ombre qui veulent s’emparer du Graal ?

Savant mélange d'histoire et de conte fantastique, ce film d'origine espagnol nous transporte dans un univers plein de magie et d'aventure. Inspiré de la célèbre bande dessinée espagnol "El Capitán Trueno" conçu par Víctor Mora et le dessinateur Miguel Ambrosio Zaragoza, cette adaptation cinématographique se regarde avec grand plaisir et nous suivons les aventures rocambolesque de ce héros médiéval,  brillamment interprété par le jeune Sergio Peris-Mencheta, avec attention. Mise en scène par Antonio Hernandez, le film n'a aucune vocation moralisatrice mais propose seulement un cocktail coloré et festif d'une BD nationalement connue à tous les fans de cet univers. Mené par une brochette d'acteurs méconnus en France mais talentueux, le film tient sa promesse de divertissement sans presque aucun temps mort et dispose d'une bande sonore électrique et réjouissante. Côté effets visuels, le film ne déçoit pas et réserve son lot de scènes d'actions spectaculaires même si la qualité de l'image n'est pas digne des plus grands studio de cinéma. On l'aura compris "Prince Killian" est un héros national espagnol qui reste l'un des plus gros succès BD du pays et même si la bande dessinée est inconnu en France, les amateurs de films de cape et d'épée à la "Donjons et Dragons" vont appréciés cette adaptation cinématographique et les quelques rebondissements qui pimentent l'intrigue vont les faire tenir en haleine jusqu'à la scène finale.  

Note : 6,5/10.

Wilee est sans doute le plus doué et le plus rapide des coursiers à vélo de New York. Son quotidien consiste à traverser la ville en tous sens en évitant les taxis qui foncent, les voitures, et huit millions de piétons… Pourtant, lorsqu’il prend en charge un mystérieux pli, le danger va être d’un autre genre. Certains sont prêts à tout pour s’emparer de ce qu’il transporte. Ce qui avait commencé comme une course express ordinaire va vite se transformer en un contre-la-montre mortel à travers les rues de Manhattan...

Avec "Course contre la Mort (Premium Rush)", David Koepp se lance de nouveau dans la réalisation après avoir signé six long métrages dont les sympathiques "Hypnose" en 1999 et "Fenêtre secrète" en 2004 et après avoir écrit les scénarios d'un certain nombre de films aux succès non négligeables comme "Jurassic Park", "Mission : Impossible", "Le Monde Perdu : Jurassic Park" et "Spider-Man 1 et 2". Cette fois-ci, on peut dire que le challenge est de taille : filmer des acteurs dans les rues de New York à vive allure sans risquer de les blesser... Après avoir visionné le making of présent dans le DVD, on apprend en outre que le tournage n'a pas été sans difficulté que ce soit pour les acteurs ou l'équipe technique : entraînement intense, gestion de la circulation, matériels spécifiques pour filmer les courses poursuites en vélo, chaque scène a été méticuleusement préparée pour éviter tout accident... En résumé, David Koepp et son équipe se sont réellement surpassés pour proposer aux spectateurs un divertissement survitaminé au suspense soutenu et très bien rythmé. Le scénario manque peut être de finesse par moments mais il réussit malgré tout à nous tenir en haleine jusqu'à la fin. Au niveau du casting, nous retrouvons la star montante d'Hollywood Joseph Gordon-Levitt ("Inception"...), Michael Shannon ("Machine Gun"...) excellent dans son rôle, Dania Ramirez ("American Pie 4"...) et Jamie Chung ("L'Homme aux poings de fer"...).

Un thriller efficace et brillant, aux scènes d'action palpitantes et réussies, qui sera l'occasion, pour certains, de vous faire découvrir les grandes rues de New York. Accrochez-vous, ça va secouer !...

Note : 8/10.

Liu Jin-xi, fabricant de papier, mène une vie paisible dans un village isolé avec sa femme Ayu et ses deux enfants. Un jour il se retrouve impliqué dans la mort de deux criminels et la cour envoie le détective Xu Bai-jiu pour enquêter. Très vite Xu se rend compte que leur mort n'est pas accidentelle et la vie de Liu va en être bouleversée...

Avec des noms comme Peter Chan ("Les seigneurs de la guerre"...), Donnie Yen ("Ip Man 2, le retour du grand maître"...), Takeshi Kaneshiro ("Les 3 royaumes"...) et Yu Wang ("La vengeance de l'homme à un seul bras"..) qui n'avait pas tourné depuis 1993, le long métrage "Swordsmen" bénéficie, que ce soit devant ou derrière la caméra, d'un solide casting très adepte du film de genre où le kung fu est roi. Réalisé en 2011, "Wu Xia" (titre original) est un honnête divertissement conçu avec beaucoup d'attention par des spécialistes qui savent exactement comment concevoir, grâce à des moyens raisonnables, un film d'action dans toute sa splendeur. Sans forcément apporter du renouveau au genre, le long métrage de Peter Chan parvient tout de même à rivaliser avec de grands classiques et pour cause : une réalisation soignée, un montage rythmée, une musique envoûtante, des scènes de combats d'une force et d'une beauté incroyable, des acteurs aux talents indiscutables, une histoire peut être peu originale de prime abord mais pourtant captivante du début à la fin. Le début du film, sous forme d'enquête policière, ne manque déjà pas d'intérêts (scènes de baston spectaculaires et utilisation judiciceuse d'effets visuels plutôt réussis) et la suite des évènements ne fera qu'accroître notre engouement pour arriver avec impartience jusqu'au dénouement final... De plus, les paysages naturels sont vraiment magnifiques et le dépaysement est total.

"Swordsmen" s'avère être au final un très bon film de kung fu au casting cinq étoiles, à la réalisation signée de main de maître par Peter Chan et aux séquences d'action hallucinantes.

Note : 8/10.

Obsédé par la mort récente de sa femme et de sa fille, John Hebron tente de se raccrocher à sa carrière de policier entre deux verres de whisky. Venu chercher conseil auprès du père Porter, dont l'église vient d'être saccagée, John décide d'enquêter pour retrouver une statue de la Vierge qui a disparu...

Après avoir réalisé en 2007 "King of Sorrow", le réalisateur canadien Damian Lee signe le scénario et la réalisation de "Sacrifice", un thriller palpitant sous fond de traffic de drogues. L'histoire n'est pas forcément originale et les protagonistes sont parfois un peu stéréotypés comme le héro qui se noie dans l'alcool et accumule sans cesse les heures au boulot après la mort de sa femme et de sa fille. Mais, malgré cela, le long métrage n'est tout de même pas dénué de qualités : l'intrigue est rudement bien mené, le suspense va crescendo, l'ambiance est de plus en plus prenante, on s'attache rapidement aux personnages et au bout d'un certain temps, on attends impatiemment la fin pour savoir si oui ou non justice sera faite... Je n'en dis pas plus... L'interprétation des acteurs est admirable, on retiendra tout d'abord le duo plutôt sympa de Cuba Gooding Jr ("Pearl Harbor"..) et Christian Slater ("Pluie d'Enfer"...) qui joue ici un simple prêtre bien loin de ses habituels rôles de héro. Nous avons aussi dans le reste du casting Kim Coates ("Resident Evil : Afterlife 3D"...) et le jeune Devon Bostick ("Journal d'un Dégonflé : ça fait suer !"...) que l'on retrouvera d'ailleurs dans le nouveau film de Damian Lee : "The Truth" aux côtés d'Eva Longoria ("Desperate Housewives"...), Forest Whitaker ("Le Dernier rempart"...) et Andy Garcia ("La Panthère Rose 2"...).

Pour résumer, "Sacrifice" est un film tout ce qu'il y a de plus divertissant, bien rythmé et interprété par une brochette d'acteurs aux talents inépuisables.

Note : 7/10.

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Un tout jeune orphelin, Manuel Henrique Pereira, est initié par Maître Alipio à la capoeira. Il deviendra "Besouro", le scarabée, le Maître des Maîtres. Alipio devient également son tuteur et son ami, lui enseignant, au-delà de la discipline de cet art, la justice et le combat contre les préjugés raciaux. Bientôt le colonel Venancio commandite l’assassinat d’Alipio.

D'après l'histoire vraie d'un célèbre capoeriste brésilien, "Besouro, Le Maître de Capoeira" est, d'une part, un long métrage remarquable en ce qui concerne sa forme : visuellement époustouflant, le film de João Daniel Tikhomiroff dispose d'une très belle photographie, d'un montage soigné et d'une réalisation originale. D'autre part, le scénario, bien construit et palpitant du début à la fin, se penche sur la véritable vie de Manuel Henrique Pereira, plus connu sous le nom de Besouro Mangangá considéré comme le plus grand maître de la Capoeira (un art martial afro-brésilien qui puiserait ses origines dans notamment les méthodes de combat et les danses des peuples africains au temps de l'esclavage) de tous les temps. A mi chemin entre le réel et l'imaginaire, entre les légendes et les faits, l'intrigue nous entraîne dans un fabuleux voyage entre la réalité et la spiritualité et nous offre aussi l'occasion d'assister à de nombreuses scènes de combat aussi réussies et spectaculaires les unes que les autres. En ce qui concerne les acteurs, ils sont, pour la plupart, convaincants malgré leurs faibles expériences dans le domaine du cinéma.

En résumé, un formidable hommage au maître incontesté de la Capoeira traité avec beaucoup d'émotion et de sagesse aux multiples scènes de combat et de danse tout simplement ébouriffantes.

Note : 7,5/10.